Tan pronto como el artista italiano Salvo murió en 2015, su obra de 1973 Salvo è vivo (“Salvo está vivo”), una losa de mármol grabada con su título, fue volteada, siguiendo instrucciones escritas por el artista. En el reverso estaba inscrita una frase sencilla: Salvo è morte (“Salvo está muerto”). Este acto, un gesto conceptual final, captura el espíritu irreverente de un artista cuya influencia ha resonado mucho después de su muerte. Nacido en 1947 en Leonforte, Sicilia, Salvo (cuyo nombre completo era Salvatore Mangione) se mudó a Turín cuando era niño. Allí, eventualmente se asociaría con figuras notables del movimiento Arte Povera. Compartiendo estudio con Alighiero Boetti, Salvo inicialmente trabajó en medios conceptuales y escultóricos. Llevó su estilo descarado y autorreferencial a la fotografía (donde se retrató a sí mismo con un halo de Salvator Mundi, por ejemplo) y a las esculturas (una vez grabó su propio nombre con los colores de la bandera italiana en una losa de mármol blanco). Sin embargo, a mediados de la década de 1970, Salvo había decidido adoptar un nuevo medio, por el que ahora es más conocido: la pintura. Sobre todo, pretendía poner a prueba las limitaciones de la pintura, que, en ese momento, era despreciada por sus pares en el arte conceptual.
El estilo pictórico de Salvo.
En los años transcurridos desde la muerte de Salvo, el mundo del arte ha sido testigo de un aumento en el interés y el valor de sus obras. Hace apenas dos décadas, su obra rara vez superaba las cuatro cifras. Ahora, sus pinturas son un pilar en las ferias de arte de todo el mundo, y su pintura Il Mattino (La mañana) (1994) se vendió por 8,7 millones de dólares de Hong Kong (1,1 millones de dólares estadounidenses) en Christie’s Hong Kong el año pasado, estableciendo el récord de subasta del artista. Varias exposiciones extensas en museos también se han centrado en su obra, como la extensa muestra “Arrivare in tempo (Llegando a tiempo)” en la Pinacoteca Agnelli de Turín, Italia. Según Sarah Cosulich, directora del museo italiano, el giro de Salvo hacia la pintura “nunca implicó un cambio, sino sólo una evolución”. “La pintura de Salvo es a la vez una extensión de su enfoque conceptual inicial y un deseo de ir en contra de él, ya que pronto se aburrió de las limitaciones del ‘arte en blanco y negro’ en galerías blancas inmaculadas”, dijo. A lo largo de la década de 1980, Salvo perfeccionó su estilo característico con el uso expresivo del color en paisajes simplificados, ruinas místicas y caprichos (fantasías arquitectónicas). Sus pinturas suelen presentar tonos terrosos con explosiones de colores luminosos para crear paisajes etéreos y despoblados. Estas obras están pintadas con pinceladas amplias y deliberadas, centrándose en la sutil gradación de color y luz. “Salvo se ha convertido en un artista de referencia para quienes aprecian la pintura contemporánea, gracias a su peculiar técnica”, afirmó Antonio Addamiano, director de Dep Art Gallery, que (entre otras galerías) representa al artista tras su muerte. “Su obra se caracteriza por una extrema ausencia de detalles compensada por una gran atención al color, su potencial expresivo y la construcción de formas esenciales y minimalistas”. Hoy en día, muchos artistas contemporáneos se inspiran en su peculiar enfoque del color y la forma. Aquí hay siete artistas que los fanáticos de Salvo deben conocer.
B. 1989, Londres. Vive y trabaja en Londres.
La artista nacida en Londres Daisy Dodd-Noble trabajaba en la industria del petróleo y el gas en Dubai e Irak cuando se dio cuenta de que era necesario un cambio drástico. Después de un año de planificación, se matriculó en la Academia de Arte de Nueva York. Allí, le enseñó la pintora figurativa Inka Essenhigh, quien “alentaba a los estudiantes a trabajar desde su imaginación”, dijo Dodd-Noble a Art of Choice. Inspirado por este consejo, Dodd-Noble comenzó a pintar paisajes despoblados y caricaturescos caracterizados por colores vibrantes y formas etéreas y exageradas. Two pink cloud and two pink islands (2021), por ejemplo, representa un paisaje surrealista de suaves contornos bajo un cielo degradado que pasa del verde azulado al suave malva, con dos nubes rosadas flotando sobre islas estilizadas y coloridas salpicadas de árboles con forma de tótem. Esta visión surrealista del mundo natural se hace eco de las pinturas de paisajes de Salvo con su uso del color de otro mundo. En junio de 2024, Dodd-Noble montó una exposición individual con MASSIMODECARLO en París, “La verdad del bosque”, que presenta obras inspiradas en los exuberantes paisajes de la selva tropical de Costa Rica. Ha presentado exposiciones individuales en Roman Road Gallery en Londres y L21 Gallery en Mallorca, España.
B. 1980, Lausana, Suiza. Vive y trabaja en Nueva York y Bruselas.
En 2017, el Museo Hirshhorn encargó al artista nacido en Suiza Nicolas Party crear un mundo de colores pastel con su muestra circular de obras murales, “amanecer, atardecer”, que envolvía la galería del tercer piso del museo. Los paisajes de ensueño de la muestra (un paisaje montañoso en tonos azules, imponentes árboles escarlatas o maleza caleidoscópica) enfatizaban el cambiante juego de luces y sombras a medida que el amanecer y el atardecer brillaban sobre estas atrevidas formas naturales. Pintura, dibujo, escultura, grabado, instalación y murales: el uso que hace Party de llamativos pasteles hace eco de la paleta saturada de Salvo. Sin embargo, son los degradados de color del artista los que más fuertemente lo conectan con el artista italiano. El sol es central en las obras de Salvo, como Fabbrica (1987), donde un sol dorado irradia sobre una fábrica. Similar, aunque más sutil, es Party’s Sunset (2018), que presenta un paisaje crepuscular policromático bajo un penetrante sol anaranjado. Party comenzó como artista de graffiti antes de obtener su Licenciatura en Bellas Artes en la Escuela de Arte de Lausana en 2004 y su Maestría en Bellas Artes en la Escuela de Arte de Glasgow en 2009. Ahora, el artista de 44 años está representado por las mejores galerías, incluidas Hauser & Wirth, Xavier Hufkens y Karma, entre otros.
B. 1993, Australia. Vive y trabaja en Port Elliot, Australia.
Un surfista deslizándose sobre una ola perfecta es a menudo el motivo central de los paisajes de Mickey Mason, un protagonista apropiado para el artista australiano, que vive en la ciudad costera de Port Elliot, Australia. Vesubio (2024), por ejemplo, representa un volcán en erupción, inspirado en el famoso volcán italiano, con una columna de humo que se eleva hacia el cielo, enmarcado por una serena escena tropical debajo, donde un surfista cabalga sobre una ola. El uso excéntrico del color por parte de Mason crea un contraste sorprendente, donde las nubes brillan en color malva y la ola gigante es de un verde radiactivo. Los paisajes de Mason, como los de Salvo, son divertidos y a menudo presentan surfistas y ovnis. Sus retratos de vaqueros humeantes, con pigmentos atrevidos y texturas pesadas, son igualmente estilizados. Al igual que Salvo, Mason transforma escenas familiares en reinos fantásticos. Esta transformación se ejemplifica en Palm Tree Beach Surfer (2024), donde el brillo del sol divide el océano y un surfista solitario monta una ola verde gigante. Mason, artista autodidacta, ha presentado exposiciones individuales en lugares como BSG Projects y LUNDGREN GALLERY.
B. 1989, Pekín. Vive y trabaja en Beijing.
El artista chino Qingchuan fue aprendiz del famoso ilustrador científico Zeng Xiaolian en 2017 antes de trabajar como ilustrador para la edición china de National Geographic. Esta experiencia le inculcó un profundo aprecio por el mundo natural. Ahora, pájaros, cisnes y serpientes pueblan sus pinturas suaves y sensuales. Cradle (2024) representa una serpiente alrededor de una bola roja contra un fondo desértico bañado por el sol, mientras que Above the Cloud (2024) muestra un pájaro deslizándose sobre una nube bulbosa. Las pinturas de Salvo a menudo retrataban paisajes imaginarios en lugar de escenarios observados. Del mismo modo, aunque Qingchuan está entrenada en representaciones científicas precisas de la naturaleza, también favorece un enfoque más misterioso. Esto es evidente en Migración II (2024), donde un río serpenteante conduce a un horizonte suave y brillante por el que pasa una bandada de pájaros. El paisaje está enmarcado por una entrada curvada en forma de cueva, que refleja la manipulación del espacio que se encuentra en los paisajes urbanos de Salvo, como La Città (1986), donde los edificios invasores enmarcan la composición. Estas obras fueron el tema de su exposición individual con KB Fine Arte en agosto de 2024, titulado “Las mareas de la vida”.
N. 1982, Santiago. Vive y trabaja en Berlín.
Las pinturas surrealistas del artista chileno Pablo Benzo a menudo incluyen lienzos más pequeños retratados en ellas. Estas pinturas dentro de pinturas van acompañadas de representaciones fantasmagóricas de elementos cotidianos como jarrones, sillas, frutas y plantas. Sus escenarios sobrenaturales rebosan de un excedente de referencias históricas del arte, desde formas extrañas que recuerdan a Giorgio Morandi y Henri Matisse hasta las naturalezas muertas vibrantes y deliberadamente coloreadas de Salvo. Cómo sabemos lo que sabemos (2024), por ejemplo, retrata a una mujer sentada rodeada de dos lienzos: uno inacabado en el caballete y otro en la pared que representa una figura desnuda bailando. La escena se desarrolla con un telón de fondo que recuerda a la campiña de Salvo, con colinas onduladas de dibujos animados y un paisaje luminoso. Nacido en Santiago, Benzo estudió diseño gráfico en la Universidad de Chile. Ha presentado exposiciones individuales en Galerie Kornfeld de Berlín, Steve Turner de Los Ángeles y Dio Horia de Shanghai, entre otras.
Nacido en 1989, Örebro, Suecia. Vive y trabaja en Los Ángeles.
Camilla Engström, graduada del Fashion Institute of Technology, aprendió a pintar por sí misma mientras trabajaba en la industria de la moda de Nueva York. Inicialmente, creó dibujos de un alter ego llamado Husa (que en sueco significa “criada”) y, a medida que pasó el tiempo, Engström construyó gradualmente un mundo empapado de color alrededor del personaje. Estos escenarios tienen colores intensos y, a menudo, psicodélicos, y a veces presentan formas naturales antropomorfizadas. En Yellow Moon (2022), Engström presenta un paisaje sensual con colinas voluptuosas bajo una luna incandescente de gran tamaño, que evoca un estado de ánimo que recuerda a los paisajes crepusculares de Salvo. Al igual que Salvo, Engström imagina un mundo con formas naturales exageradas y una paleta de colores radiante. Sus paisajes imaginarios están informados por los diversos entornos en los que ha vivido. “Para mí, pensé que las pinturas parecían Suecia, pero un amigo sueco dijo que parecían California. Es una mezcla de ambos mundos”, dijo a Artnet News. A Engström también se la compara a menudo con Georgia O’Keeffe, una artista con la que ha estado obsesionada durante años. El artista de 35 años ha presentado exposiciones individuales con Over The Influence, KÖNIG GALERIE y Deli Gallery, entre otros.
Nacido en 1955, Hannover, Alemania. Vive y trabaja en Colonia.
Andreas Schulze obtuvo su primer reconocimiento cuando la galerista Monika Sprüth presentó sus pinturas en la galería del mismo nombre en 1985. En ese momento, Schulze trabajaba en Colonia en medio del creciente movimiento neoexpresionista. Sin embargo, su enfoque fue diferente. En lugar de adoptar la pincelada gestual y frenética de la época, Schulze desarrolló un estilo caracterizado por formas redondeadas y caprichosas. Este estilo es evidente en Gleise am Meer (2013), que traza una vía de tren contra un paisaje bulboso. El uso que hace Schulze de líneas nítidas y repetitivas guía la vista a través de un lienzo colorido de colinas onduladas y círculos concéntricos, creando un efecto casi hipnótico. Este enfoque enigmático, marcado por las capas de colores y los patrones meticulosos de Schulze, comparte una resonancia visual con los ilusionistas campos de color de Salvo. La invitación de Schulze a observar sin interpretar es clara: “Puedes venir y mirar, pero no creas que puedes simplemente entrar en este mundo, comprenderlo completamente e identificarlo; de ninguna manera”, dijo Schulze. Schulze todavía trabaja con Sprüth, bajo el auspicio de Sprüth Magers, que ha seguido representando al artista. En Londres, la galería combinará el trabajo de Schulze con el de Salvo en su exposición de noviembre de 2024, “About Painting”. El artista de 69 años también está representado por Team Gallery en Nueva York. MRMaxwell RabbMaxwell Rabb es redactor de Artsy. Encabezado y miniatura: Salvo, “Italia (Italia)”, 2009. Cortesía de La Maison de la Petite Sara.