Varios destacados críticos de arte franceses han criticado la exitosa exposición del Museo de Orsay sobre el impresionista Gustave Caillebotte, titulada “Pintando hombres”.
La muestra (abierta hasta el 19 de enero de 2025) es una oportunidad única en una generación de ver una gran parte de la obra del artista, gracias a préstamos excepcionales. A pesar de los elogios, algunos críticos de todo el espectro político argumentan que la exhibición pone demasiado énfasis en una interpretación de género del trabajo de Caillebotte, sugiriendo que era gay, un punto para el cual hay poca evidencia que lo respalde y, posiblemente, uno que no debería importar. Estos críticos también atribuyen en gran medida este enfoque interpretativo a las perspectivas estadounidenses sobre el arte.
“El Museo de Orsay, bajo la influencia de sus coproductores asociados estadounidenses, decidió estudiar la ‘masculinidad’ del pintor”, escribe Eric Biétry-Rivierre de Le Figaro, liderando la acusación contra la exposición de temática de género en una de las primeras reseñas. La muestra viajará al Museo J. Paul Getty de Los Ángeles y al Instituto de Arte de Chicago (AIC) y fue organizada conjuntamente por un destacado curador de cada institución: Paul Perrin en el Museo de Orsay, Scott Allan en el Getty y Gloria Groom en el AIC
Más recientemente, un escritor del izquierdista Libération exclamó que los estudios de género desarrollados en Estados Unidos en la historia del arte “cruzaron el Atlántico y aterrizaron” en la institución de París. Junto con un tercer crítico de Le Monde, estuvieron de acuerdo con Le Figaro en que los curadores adoptaron una visión “sesgada” de la práctica del artista, centrándose en sus representaciones más numerosas de hombres que de mujeres como evidencia adicional de que Caillebotte era gay. Esto, señalan los críticos, está respaldado por textos murales “sugesivos” a lo largo de la exposición, que presenta unas 140 obras de arte.
En su mordaz reseña, Harry Bellet de Le Monde señala la ausencia de las últimas pinturas de flores de Caillebotte. Sus “pistilos”, los órganos femeninos de la flor, “seguramente no eran lo suficientemente sugerentes o, por el contrario, contradecían el argumento de los curadores”, escribe. Philippe Lancon, de Liberation, no se reserva nada cuando afirma: “Al contrario de lo que las etiquetas del muro insinúan, nada prueba que Caillebotte, que vivía con una mujer, fuera gay y, para ser honesto, no importa”.
Gustave Caillebotte Nu au diván (c. 1880) óleo sobre lienzo. 129,5×195,6cm. Minneapolis, Instituto de Arte de Minneapolis, The John R. Van Derlip Fund, 67.67 Imagen cortesía del Instituto de Arte de Minneapolis
De hecho, no existe información sobre la orientación sexual del artista y los curadores han dicho repetidamente que no se encontró información concluyente sobre el tema. Sin embargo, el debate subsiguiente, bastante confuso, ha puesto la cuestión aún más en primer plano, sugiriendo que, hasta cierto punto, después de todo parece importar.
Los textos introductorios de la exposición afirman que el artista realizó representaciones inusuales de hombres para su época, a menudo solteros capturados en ambientes domésticos e íntimos típicamente reservados para la “esfera femenina” en el siglo XIX. “Son estos temas y ese ‘problema de género’ (como lo expresó la filósofa Judith Butler), los que dan al trabajo del artista gran parte de su tensión vital y poder subversivo, que esta exposición y su catálogo buscan explorar”, se lee en la prensa de la muestra. liberar.
En las entrevistas, el catálogo y los textos murales, los curadores vacilan entre abordar la cuestión de la sexualidad de Caillebotte; afirmando que no sabemos nada sobre su orientación sexual; fomentar el cuestionamiento de deseos potencialmente eróticos por parte de Caillebotte; y por último, afirmando que simplemente estaba pintando su entorno, que casualmente incluía a muchos hombres.
El Novio del Instituto de Arte de Chicago rechazó tanto la idea de que los estadounidenses habían influido en los franceses en la realización de la exposición como la de que implicaba que Caillebotte era gay. Después de leer esas acusaciones en la reseña de Figaro, me dijo: “Me hizo gracia, porque él decía que los estadounidenses habían despertado a París”. De hecho, “la idea de esta exposición surgió de París”.
Groom defendió la perspectiva de género de la exposición, afirmando que Caillebotte rompió con otros impresionistas que regularmente pintaban mujeres (un tema que era más fácil de vender) y en cambio mostró el mundo dominado por los hombres que lo rodeaba. Sus sujetos fueron representados con absoluta honestidad, ya sea bañándose, remando en botes, descansando en un sofá o defecando. Se trata de un enfoque excepcional y moderno que merece atención, afirmó. “Su tema es muy radical en esa época, porque se suponía que los hombres no debían mirar fijamente a los hombres, y él está mirando a los hombres”, dijo. “Es el elefante en la habitación. Es lo que lo hace tan diferente”.
Añadió que varias obras son “definitivamente sensuales, [there’s] Definitivamente una mirada, y definitivamente una apreciación del cuerpo masculino y del deportista masculino, y las cosas que hacen que los hombres sean hombres… se puede decir eso. ¿Pero eso es homosexualidad? Creo que es un puente demasiado lejos”, dijo. “Está buscando una manera de crear una forma moderna de masculinidad”.
Gustave Caillebotte, cepilladores de parquet [The Floor Scrapers] (1875). Foto © Museo de Orsay, dits. RMN – Gran Palacio / Patrice Schmidt
“La exposición no afirma nada sobre la sexualidad del artista”, me dijo Perrin, el curador de Orsay. “Sin embargo, no se prohíbe plantear la pregunta: ‘¿A qué se debe la mirada de un hombre sobre otro?’ [and] ‘¿Qué es el erotismo aplicado al cuerpo masculino?’”
Perrin señala que una sección de la exposición presenta tres desnudos principales, incluido un cuadro grande de una mujer y otro de un hombre secándose después de un baño, que se inspiró en las representaciones de mujeres bañándose de Degas. En la inusual interpretación de Caillebotte, las nalgas tonificadas del hombre casi de tamaño natural se convierten en el punto focal. Con esta pintura de 1884, El hombre en su baño, “evocamos esa pregunta porque la obra de arte nos pide que […] o para decirlo de otra manera, la cuestión del deseo en la pintura”, añadió Perrin. “Puede que Caillebotte no haya tenido una preferencia sexual que haya reconocido durante su vida, pero eso tampoco puede impedirle tener una especie de mirada en la que hay un poco de deseo”, afirmó.
El curador francés también consideró que el artículo de Le Figaro había sometido injustamente a la exposición a “juicio” por hacer referencia a estudios de género. Esta disciplina “claramente asusta a mucha gente, porque da la impresión de que el arte se utiliza con fines ideológicos, lo que no es el caso aquí. [Gender studies] Es sólo una herramienta para los historiadores del arte moderno, que nos permite comprender mejor las obras de arte”.
Confirmó que la exposición no fue influenciada por sus colaboradores estadounidenses y que el museo de París eligió el tema, antes de que el trío de curadores de las tres instituciones lo desarrollara más a fondo. Aún así, observó que los historiadores del arte estadounidenses han estado más interesados en la cuestión del género y la sexualidad que sus homólogos franceses. “No negaría que existe una influencia histórica del arte anglosajón en las formas de ver la pintura. […] pero Estados Unidos no impuso nada a esta exhibición”, dijo.
Los organizadores de la exposición también se esforzaron por ofrecer una nueva visión de Caillebotte, famoso por su encuadre innovador, casi fotográfico, combinado con una perspectiva inusual. Pero si su encuadre y composición son tan críticos, ¿no deberíamos fijarnos en los temas que eligió?, pregunta Perrin. “No estamos aquí para repetir interminablemente la misma santa historia del impresionismo. Es papel de los museos cuestionar también las obras de arte y situarlas en relación con las interrogantes actuales, sin caer nunca en un anacronismo”, afirmó.
Gustave Caillebotte El Puente de Europa (1876). Óleo sobre lienzo. 125x180cm. Ginebra Association des amis du Petit Palais, 111 © Rheinisches Bildarchiv Köln
Parte de la interpretación de la exposición se arriesga mucho al describir narrativas imaginadas en algunas de las pinturas. Por ejemplo, en la pintura icónica que muestra uno de los nuevos puentes industriales de París, Le Pont de l’Europe [The Europe Bridge] (1876) un hombre camina hacia el espectador, se dice que es un autorretrato del artista. Se vuelve ligeramente hacia una mujer que camina justo detrás y a su izquierda, pero al mismo tiempo mira a un hombre frente a él, que está inclinado sobre la barandilla del puente, admirando la vista. “¿El hombre acaba de acosar a una trabajadora sexual?” pregunta la etiqueta de la muestra, aparentemente en referencia a la mujer del cuadro. “¿No está, en efecto, más interesado en el trabajador hacia quien parece dirigir su mirada…?”
Estas preguntas están dispersas por todas partes, añadiendo confusión a la convincente tesis que los curadores han expresado en entrevistas y en el catálogo. Es decir, que Caillebotte pintó a los hombres de manera diferente a sus contemporáneos, así como pintó a las mujeres de manera diferente, de hecho, con una lente moderna extraordinaria e inigualable. Uno que se esforzó a toda costa en transmitir con honestidad la vida que vivía a su alrededor.
Gusave Caillebotte, Fiesta en bote también llamada Remero con sombrero de copa (1877) Colección privada Foto de Leemage/Corbis vía Getty Images.
Era una visión que consideraba a los hombres en todos los estados y formas, incluido lo que se consideraría halagador en ese momento, o nada en absoluto, lo que lo convertía en un tema poco probable de una pintura. También era un riesgo que Caillebotte podía correr. Nacido en una zona rica, no necesitaba vender sus cuadros para ganarse la vida. Por lo tanto, se puede encontrar a sujetos masculinos descansando y leyendo literatura en sofás, en lo que se consideran actividades más “femeninas”, según la exhibición, o como hombres más “varoniles”: remando en botes, o como soldados aburridos o haciendo sus necesidades.
Estos hombres también están pintados de cerca, como en el Boating Party (ca. 1877-78) adquirido por el Museo de Orsay en 2022, donde el espectador se coloca lo suficientemente cerca como para oler el sudor del apuesto hombre frente a ellos empuñando los remos. Caillebotte recodifica radicalmente los géneros pictóricos de su época, y esa parece ser la conclusión central que el Museo de Orsay espera transmitir. Desafortunadamente, al final sus esfuerzos fracasan.