Foto: La soledad era una pandemia protagonizada por Emily Sullivan. Foto cortesía de Danny Bristoll / Proporcionada por Emily Owens PR con autorización.
En la nueva obra La soledad era una pandemia, el futuro del mundo parece un poco diferente al actual. En los años venideros, las comunidades sólo estarán pobladas por artistas y el público seguirá el viaje de un pintor que necesita enseñar a un robot a hacer arte real, según notas de prensa. El programa, presentado como un drama de ciencia ficción, es obra de la escritora Olivia Haller, conocida por [subtext].
La persona encargada de dar vida a las palabras de Haller es el director Alex Kopnick, conocido por una producción de [title of show] en Bajo San Marcos. Junto a Kopnick en este viaje hacia el futuro se encuentran los miembros del elenco Emily Sullivan (The Potemkin Play en HERE Arts Center), Andrew Moorhead (Radio Man con SheNYC Arts), Cleopatra Boudreau (MIA MIA en La MaMa) y Yi Ming Sofyia Xue (Natasha, Pierre y el Gran Cometa de 1812 en el Gran Teatro de Shanghai), según un comunicado de prensa oficial.
Las presentaciones de Loneliness Was a Pandemic se presentarán hasta el 24 de noviembre en Theatrelab en la ciudad de Nueva York.
Recientemente, Hollywood Soapbox intercambió correos electrónicos con Kopnick sobre el programa de estreno mundial. Además de director, Kopnick es productor, editor de efectos visuales y actor combatiente. Las preguntas y respuestas se han editado ligeramente por motivos de estilo.
¿Qué te gustó cuando leíste por primera vez la obra de Olivia Haller?
Me encontré con la obra de Olivia por primera vez en 2022, aproximadamente dos meses después de mudarme a Nueva York. Cuando me mudé aquí, conocía a menos de 10 personas. Estaba enferma de COVID-19 cuando encontré el guión de Olivia en New Play Exchange y me aislaron en un apartamento con una caja de zapatos de una manera que nunca me había sentido más sola o atrapada en mi vida. Conecté con el guión desde su primera página. La ciencia ficción siempre ha sido un género que me ha encantado y creo que es una lente excelente a través de la cual explorar la vida moderna.
La obra de Olivia es audaz, profética y profundamente identificable. Habla de la desconexión aislante exacerbada por la tecnología y la pandemia de COVID-19, y en ese momento, nunca podría haber predicho la intensidad de las discusiones de la obra sobre la IA. Me encanta el humor, la ambigüedad y la perspectiva de la obra. Es realmente uno de los mejores guiones que he leído y pasé un año en la universidad como pasante leyendo cien guiones de ciencia ficción para una compañía cinematográfica llamada XYZ Films.
¿Crees que el programa tiene mucho que decir sobre nuestra situación actual en 2024?
Olivia ha escrito una obra de teatro con “P” mayúscula en el sentido de que, en cualquier momento de la historia moderna, esta obra tiene mucho que decir. Es tan hiperespecífico que vuelve a ser universal de la misma manera que nos conectamos con la obra de Shakespeare cuando eso se hace efectivamente en entornos novedosos o contemporáneos.
Sin duda, ha envejecido como un buen vino desde que Olivia comenzó a escribirlo antes de COVID y ChatGPT. La discusión de la obra sobre la línea entre el verdadero arte y la expresión del aprendizaje automático es relevante hoy en día, ya que SAG-AFTRA y la WGA continúan atacando a la industria del entretenimiento que utiliza la IA para reemplazar su arte. Esa lucha se libra actualmente en el frente de los medios interactivos y los videojuegos.
Aunque tenemos más acceso unos a otros que nunca a través de herramientas de comunicación tecnológica, nunca hemos estado más desconectados o polarizados como sociedad, principalmente debido a algoritmos sesgados que secuestran los foros de nuestra comunidad digital. Todos podemos identificarnos con los temas de aislamiento y el anhelo de conectar con personas que simplemente no parecen sentir empatía. Creo que este programa ayudará a muchas personas a sentirse menos solas en algunos de los sentimientos que tal vez no comprendan y que otros están experimentando a gran escala.
¿Diría que su enfoque de dirección se basó en la realidad o, dado el tema, se aventuró en lo surrealista?
Mi mantra artístico es que el arte inspira empatía y la empatía niega la ignorancia. Creo que el teatro es una de las mejores herramientas para enseñar empatía y ayudar a otros a comprender nuevas perspectivas humanas.
Generalmente diría que mi trabajo es bastante sincero y trato de no ahondar innecesariamente en lo surrealista. Las facetas surrealistas de esta pieza se prestan a la ambigüedad de la narrativa, y quiero que el público se cuestione qué fue real y de qué manera fue real, en lugar de ser eliminado del viaje del espectáculo a través de discordantes interrupciones de lo “real”. ”partes del espectáculo.
El guión es inherentemente surrealista y no es un escenario contemporáneo (aunque el presente se acerca cada vez más a la predicción de nuestro futuro que hace este programa). Mi estilo de dirección para este proyecto fue un intento de contrarrestar la distancia estética inherente del concepto y contenido del programa con tanta empatía como pude infundir. Estoy entrenado en la técnica de Meisner y utilicé ejercicios de repetición al trabajar con mi yeso para desarrollar los músculos de reacción, evaluación y respuesta empática inmediata para que ellos, como artistas, pudieran estar presentes entre sí y responder con sinceridad a lo que se les dio. y permanecer adaptables en sus actuaciones a pesar de la variedad ecléctica de tecnologías que utilizamos para hacer del guión de Olivia un mundo teatral.
Esta flexibilidad también nos ayudó a navegar por los recursos mínimos de un proceso fuera de Broadway, ya que el espacio y la tecnología a los que tuvimos acceso durante las semanas de ensayo eran una pequeña parte de la realidad del lugar y el diseño técnico reales de nuestra producción. La flexibilidad del actor permitió que nuestra semana tecnológica transcurriera sin problemas a pesar de requerir un nivel insomne de esfuerzo y compromiso por mi parte y por parte de mi equipo de producción para construir la tecnología del programa de una manera que funcionara de manera consistente y efectiva.
¿Cómo ha sido trabajar con este elenco?
Fue un placer trabajar con este elenco. No hubo un solo miembro de nuestro equipo que no diera todo lo que tenía en este esfuerzo artístico colaborativo. Su confianza en mi liderazgo y su voluntad de explorar la nueva metodología teatral que introduje en el proceso de ensayo fue una alegría y estoy increíblemente orgulloso de lo que estos artistas han creado en estos roles.
Emily Sullivan, quien interpreta a Human 1, la protagonista del programa, es verdaderamente una de las mejores actrices vivas. He tenido el placer de conocerla desde que era muy joven y crecimos en el mismo pequeño pueblo de Ohio. Cuando descubrí que vivía en Nueva York, inmediatamente después de descubrir esta obra, supe que necesitaba su participación. Tiene una vulnerabilidad tan valiente y sin filtros hacia su trabajo, desinhibida por las cosas que impiden que tantos artistas alcancen la grandeza. Ella descubre nuevas opciones en cada carrera e inspira al elenco que la rodea a hacer lo mismo de maneras realmente sorprendentes. Estoy agradecida de que haya aceptado trabajar conmigo en este programa, y nuestra producción no sería el arte tan especial que es sin ella. Si algún día no termina en Broadway, será la tragedia de su vida.
Había trabajado con Andrew Moorhead antes en una lectura escénica que codirigí para un programa inicial que fundé llamado Theatre Write Now, y aprecio profundamente su sensibilidad dramatúrgica. Es un intérprete muy considerado que lleva el corazón en la manga y siempre está ansioso por experimentar y tocar de la misma manera que yo. Le dio vida al Robot 1 de una manera que nunca hubiera imaginado.
Cleopatra Boudreau, que interpreta a Human 2, es una excelente intérprete de teatro y cine que ha aportado una narrativa tan compleja a un personaje del que sólo podemos vislumbrar. Su capacidad para conectarse con Emily, incluso cuando la mitad de sus escenas ocurren a través de una transmisión en vivo, y su voluntad de aceptar lo efímero de un personaje tan complejo y ambiguo es un testimonio de su humanidad y destreza como actriz. Pasamos por un proceso de casting intensivo para encontrar al Humano 2 perfecto, y Cleo fue una obviedad tan pronto como entró en la sala de devolución de llamadas.
Yi Ming, nuestro actor de doblaje para Robot 2, es un profesional excepcional que creó sin esfuerzo la voz que buscábamos. La primera vez que escuché su presentación en cinta, no podía creer que estaba escuchando a un ser humano sin editar. Nuestro diseñador de sonido, Mitch Toher, no necesitó mucho trabajo para pulir las grabaciones de Yi Ming, y creo que nuestro público quedará atónito por la naturaleza asombrosa de su producción artística.
En general, este elenco realmente es la razón por la que vale la pena ver este programa. Su talento, valentía y experiencia hicieron que las buenas actuaciones fueran una certeza, lo que me permitió, como director/productor/diseñador de proyección, concentrarme en la compleja tecnología que estaba implementando en la obra sin preocuparme de que la actuación fallara ni por un momento.
¿Cómo le das vida al robot en el escenario?
Andrew enterró el liderazgo cuando le ofrecí el puesto, y no fue hasta que aceptó la oferta que me dijo que su trabajo diario era escribir modelos de lenguaje de IA para grandes corporaciones. De hecho, puede que sea el artista vivo más calificado para interpretar a un robot en el escenario sólo por esa razón. Es difícil interpretar personajes no humanos en general, y lo que buscaba en Andrew era una portería en movimiento, ya que continuamente necesitaba cambiar el equilibrio entre lo humano y lo inhumano hasta que encontráramos el punto óptimo perfecto.
Este programa es mucho más divertido cuando lo construimos discutiendo lo que se le quita a la humanidad para crear el robot perfecto frente a lo que agregamos a la tecnología para hacerlo más humano. La naturaleza reflexiva de Andrew como actor dio lugar a una gran conversación sobre la naturaleza de estos robots y cómo funcionan. Como dije, su destreza dramatúrgica es algo a tener en cuenta. Le di una lista de medios con los que interactuar en el período previo a nuestro proceso de ensayo, y tuvimos muchas llamadas telefónicas para discutir cómo esas obras de arte podrían informar o no deberían aplicarse, en algún caso, al trabajo de su interpretación del Robot 1. . Y es un actor con el que podría tener una conversación dramatúrgica hasta que las vacas vuelvan a casa. Dicho esto, después de crear las circunstancias imaginarias para los personajes, la atención se centró en ayudar a Andrew a vivirlas sinceramente en la historia. Ahí es donde el trabajo de Meisner se volvió clave.
Andrew nunca antes había experimentado la técnica de Meisner, y la neutralidad y la evaluación inmediata inherentes a los ejercicios de repetición de ese trabajo ayudaron a resaltar el carácter que quería ayudar a Andrew a construir. También le ayudó a comprender a sus compañeros de reparto, a quienes nunca había conocido antes, de maneras que permitieron a toda la compañía confiar unos en otros para tomar decisiones audaces y seguras durante las carreras. Andrew sigue descubriendo nuevas facetas de este robot y es un verdadero placer mostrarle al público lo que ha construido.
Dado que la pandemia está en el título de la obra, ¿el programa trata directamente el aislamiento y los acontecimientos que cambiaron el mundo debido a la pandemia de COVID-19?
Como he dicho, este espectáculo es profético. Olivia tituló esta obra antes de que la pandemia invocara el trauma colectivo del COVID-19. El nombre del programa es perfecto para esta historia a pesar de la asociación accidental con COVID-19. Mucha gente me ha pedido que intente persuadir a Olivia para que cambie el título, pero no es una idea que me entretenga ni por un segundo. Este espectáculo no podría tener mejor título. Loneliness Was a Pandemic no es una obra de COVID ni sobre ChatGPT ni ningún otro tema moderno. Es una obra sobre la desconexión interpersonal y el anhelo de conectarse con un mundo que se siente frío y demasiado analítico.
He recibido una alerta de Google para el título de esta obra desde que adquirí los derechos de opción en 2022, y no puedo exagerar mi sorpresa por la cantidad de artículos y estudios centrados en cuán aisladas se sienten las personas. De hecho, la Organización Mundial de la Salud declaró que la soledad era una epidemia, y el cirujano general de Estados Unidos había descrito la soledad como “peligrosa como 15 cigarrillos al día”. Es difícil hablar de la soledad, y muchas personas sienten inherentemente que están experimentando su aislamiento solos cuando la verdad es que estamos todos juntos en lo aislados que nos hemos vuelto de la comunidad.
COVID-19 ayudó a acelerar esta desconexión, con la llegada de las llamadas de Zoom reemplazando la interacción en persona que todavía existe en los espacios de trabajo a pesar de la cuarentena. La industria continúa descubriendo nuevas formas de ser más rentable ignorando la humanidad de los trabajadores, y la COVID-19 inspiró una serie de avances que han aislado y explotado a los trabajadores. La IA ha aparecido ahora y ofrece un impacto paralelo. Las videollamadas y la inteligencia artificial son herramientas. Sólo necesitamos estar seguros de que los estamos utilizando en lugar de permitir que nos utilicen y exploten, especialmente a nuestras poblaciones más vulnerables.
Por John Soltes / Editor / John@HollywoodSoapbox.com
La soledad era una pandemia, dirigida por Alex Kopnick, continúa hasta el 24 de noviembre en el Theatrelab de la ciudad de Nueva York. Haga clic aquí para obtener más información y entradas.
Alex Kopnick es el director de La soledad era una pandemia. Foto cortesía de Danny Bristol / Proporcionada por Emily Owens PR con autorización.