La nueva exposición de Jules de Balincourt en Victoria Miró en Londres estará abierta hasta el 2 de noviembre. © Gautier Deblonde, cortesía del artista y Victoria Miro
El nuevo espectáculo de Jules De Balincourt, “Moving Landscapes” en Victoria Miró en Londres, está lleno de follaje de espuma de mar azotado por el viento y montañas de islas rojas y turbulentas: una vívida variedad de topografías a veces pobladas y otras plácidamente imperturbables. El artista franco-estadounidense tuvo una educación peripatética, eventualmente estudió cerámica en San Francisco y luego se instaló en Nueva York, donde su antiguo estudio sirvió al mismo tiempo como un animado espacio comunitario y para eventos. Está representado por Pace Gallery en Nueva York y Galerie Thaddaeus Ropac en París. Spike Jonze es uno de sus coleccionistas.
Nos sentamos con De Balincourt en dicho estudio (luminoso, extenso, no lejos del parque María Hernández) y discutimos la sensación de estar desatados, la tendencia de Internet a colapsar las jerarquías visuales y el ojo del artista como un astuto sistema de filtración.
¿Tu estudio está siempre así de ordenado?
Me gusta mantenerlo neutral. No tengo imágenes inspiradoras; Me gusta mantenerlo solo yo y las pinturas, solo esa alquimia o transferencia que ocurre desde mi mente a una pintura realizada. Quiero mantenerlo puro, aunque pase lo que pase, ya esté lleno de impurezas o lleno de historia del arte y referencias. Simplemente no quiero distraerme demasiado.
¿Cómo es tu proceso cuando te estás preparando para un espectáculo?
Normalmente trabajo en varias pinturas a la vez. Empiezo a pintar y luego, cada semana, presento una nueva pintura que responde a una pintura anterior. Me interesan las asociaciones libres que surgen cuando ciertas pinturas se yuxtaponen, por ejemplo, ¿cómo se desarrolla la historia de repente? Casi podrían ser secuelas entre sí, casi de un guión gráfico, pero sin una alegoría o narrativa clara.
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Esta pintura, por ejemplo, es la idea de todos estos diferentes barcos congregándose. Pero podrían ser buques de carga, barcos de refugiados, barcos turísticos o barcos militares. Alude a la ansiedad global general. Entonces este cuadro es una especie de autorretrato. Realmente no se parece a mí; No lo hice a partir de una foto. Soy solo yo como observador, informando a través de mi propia especie de extraña lengua vernácula visual.
Empiezo sin un plan inicial, de forma puramente abstracta, y al principio es realmente esta danza primitiva e intuitiva de pasar por estos atributos formales de forma, color y flujo de conciencia. Con el tiempo, a partir de esa abstracción, extraigo una imagen: gravitaré hacia un color específico o algo que de repente la dirige hacia un espacio más lógico e intelectualizado. Realmente es el lado derecho/izquierdo del cerebro. Me gusta la tensión entre esos dos estados de trabajo y pensamiento.
Jules de Balincourt, Negociaciones nocturnas, 2024; Óleo y óleo sobre tabla, 177,8 x 203,2 cm 70 x 80 in. © Jules de Balincourt Cortesía del artista y Victoria Miro
¿Siempre has trabajado así?
Cuando comencé como pintor (no tenía una formación formal en pintura) hacía referencia a fotografías. Eran finales de los 90: tenía mi primera pequeña cámara digital; Estaba usando fotografías como inspiración. A principios de la década de 2000, dejé de lado cualquier tipo de soporte adicional. Quería tener esta transferencia pura de mi imaginación al lienzo o al panel sin estudios previos. La idea inicial es también la idea finalizada. No hay término medio. Parte de esto es mi propia exploración personal de mi subconsciente. Muchos artistas investigan algo determinado, se inspiran en un libro determinado o responden a un artículo o película determinado, y para mí, en realidad no es tan específico. No me gusta tener una idea a la que tengo que adherirme. Me gusta la idea de un artista como un tamiz, procesando cultura e información a nivel personal y luego también a nivel social, político y global. ¿Qué es ser artista en el siglo XXI con este bombardeo de imágenes e información?
Esa es una pregunta muy relevante. ¿Cómo lo responderías? ¿Y cuál es su consumo de imágenes o de información?
Es más de lo que debería ser. En mi teléfono, están mis amigos en un barco en Italia y hay refugiados frente a la costa de Italia… Estoy procesando ambas imágenes a la vez.
O es como: sabes cuando estás leyendo un artículo del New York Times en tu teléfono y puedes desplazarte y, de repente, hay un anuncio en el artículo, como una pulsera de Tiffany. Y al principio no te registras. Dices: ‘Oh, no, eso no es parte del artículo’. Hay esta confusión de imágenes. Y ahora hay una dimensión completamente nueva de la IA: ¿qué es una imagen real o no? Ni siquiera he comprendido eso todavía.
Una pintura es algo tan quieto y estancado: ¿cómo puede seguir siendo relevante? ¿Cuál es el lugar de la pintura ahora en este mundo, donde las imágenes están dominadas por memes y videos rápidos? Con el tiempo, casi se convertirá en una novedad. Quizás eso le dé aún más importancia porque se convertirá en un acto más arcaico y anacrónico.
Jules de Balincourt, Un camino hacia Coyote, 2024; Óleo sobre panel, 86,4 x 76,2 cm 34 x 30 pulg. © Jules de Balincourt Cortesía del artista y Victoria Miro
¿Crees que el cambio en la capacidad de atención ha dañado irreparablemente lo que se necesita para interactuar con una pintura?
Con el auge de las redes sociales, creo que la capacidad de las personas para permanecer quietas con cualquier cosa durante más de un minuto es un milagro. Cada vez es más difícil mantener la atención de la gente, por lo que exigir que alguien mire una pintura no siempre es una tarea fácil si la gente (incluido yo mismo) no necesariamente tiene paciencia.
Aunque no tengas fuentes concretas de inspiración, ¿qué te preocupa estos días?
En muchas de mis imágenes hay motivos recurrentes. Después de veinticinco años de pintar, te das cuenta de que existen estos arquetipos recurrentes: la naturaleza, las reuniones edénicas, los barcos. Existe este tema común de la comunidad: lo colectivo, la dinámica social entre grupos. Algunas de las imágenes también tratan de nociones de escapismo, migración o viajes. Me gusta cuando las cosas pueden oscilar entre dos mundos: este tipo de visión optimista que afirma la vida, o un balanceo más oscuro y siniestro. Luego están las personas dentro del contexto de la naturaleza, su relación con la naturaleza o su vulnerabilidad con la naturaleza, o su minuciosidad dentro de la naturaleza, o la naturaleza como una forma de escape o santuario.
La naturaleza es un espacio liberador y pintar la naturaleza es un acto liberador. El acto de pintar se convierte en un refugio en el sentido físico y literal de la pintura. Quiero que mi trabajo trate sobre una cierta libertad, que sea abierto, fluido, fluido y que no se limite a un plano o idea pictórica singular. Quiero que sea cinético.
Jules de Balincourt, Demasiados barcos, 2024; Óleo y óleo sobre tabla, 208,3 x 238,8 cm 82 x 94 in. © Jules de Balincourt Cortesía del artista y Victoria Miro
Hablando de naturaleza, leí que pasas mucho tiempo en Costa Rica. ¿Eso sigue siendo cierto?
Sí, vivo allí a tiempo parcial. Tengo un estudio allí y trabajo allí principalmente en invierno. Llevo 30 años yendo allí. Mi mejor amigo de la infancia se mudó allí, y yo fui allí inicialmente para surfear, y finalmente terminé construyendo una casa y convirtiéndola en mi escape de Nueva York, y definitivamente ha sido una inspiración en mi trabajo.
También quiero que mi trabajo opere a un nivel más global. Al principio de mi carrera, mi trabajo era más específico de Estados Unidos. Estaba más comprometido política y socialmente. A lo largo de los años, he retirado mi mirada de Estados Unidos y es más bien una mirada humanista hacia el mundo, más bien como una audiencia general que lo abarca todo.
Pero la naturaleza en general –costarricense, por supuesto– es una fuente de inspiración. La vitalidad y la energía de la jungla es la polaridad suprema de la jungla de concreto de la ciudad de Nueva York. Soy casi como el Rousseau de Brooklyn [the 18th-century French philosopher/writer who idealized the state of nature]. Ninguna de las pinturas se parece a Bushwick. Quizás se trate de escapar de este lugar. Pero la energía de Nueva York (y la vitalidad y diversidad de Nueva York) es sin duda una inspiración.
Bien, simplemente no es una traducción literal.
Que no es. Pintar la naturaleza es también otra entrada a lo más primitivo. Estos son árboles, pero en realidad están sueltos. Cuando pintas algo realista, algo dentro de una ciudad o sociedad, son ángulos de 90 grados. Cuando se trata de naturaleza, puedo mostrarte en un minuto cómo hacer un árbol con un par de marcas.
Quiero profundizar más en el misticismo y la espiritualidad. Pero no me gusta usar la palabra “espiritual”. Se desperdicia con demasiada facilidad. Quiero algo más cósmico, no una imagen representativa. Quiero romper con la lógica de las imágenes y adentrarme más en el elemento psicológico y emocional de la pintura.
Jules de Balincourt, Testigo, 2024; Óleo y óleo sobre tabla, 121,9 x 111,8 cm 48 x 44 pulg. © Jules de Balincourt Cortesía del artista y Victoria Miro
Pasaste tus años de formación en California. ¿Aún te sientes californiano?
Definitivamente me identifico más como un artista de California, a pesar de que he estado en Nueva York durante veinticuatro años… He estado aquí literalmente casi la mitad de mi vida. He vivido aquí más tiempo que en cualquier otro lugar. Pero esos primeros años, de alguna manera, fueron un momento formativo. Cuando estoy en Francia, soy un poco como el americano razonable. Cuando estoy en Estados Unidos, soy un poco el idiota francés crítico.
Eres un caso atípico dondequiera que estés.
Soy un tipo de California, pero también sigo siendo francés para algunos de mis amigos. Creo que mi yo franco y directo no es mi lado californiano. En California, Dios mío, todo es maravilloso. Y Francia dice: ‘No creo que sea una muy buena pieza’. No es tan interesante.
Mientras te preparas para tu exposición, ¿es difícil saber cuándo está terminado un cuadro? ¿Cómo encuentras esa tranquilidad final?
Cuando la información se ha difundido, el resto son simples tonterías o se convierten en marcas autoindulgentes. Saber cuándo dar un paso atrás es una especie de desafío para mí. Es complicado.
¿Conoces a Rick Rubin? Produjo todos los grandes artistas de los años 90, como Nine Inch Nails, Red Hot Chili Peppers y Jay Z. Recientemente escribió este libro llamado The Creative Act. Soy escéptico con respecto a todos esos libros de autoayuda; por lo general, esto no es lo mío. Pero fue realmente inspirador escuchar, en forma de audiolibro, su enfoque de la creatividad. Muchos de ellos son clichés que ya has escuchado, como apagar el crítico interno, pero fue útil para mí. Tiene una especie de enfoque budista sabio que es inspirador. Mucha gente en el mundo del arte hace referencia constantemente a él.
“Moving Landscapes” se podrá ver hasta el 2 de noviembre en Victoria Miró en Londres.