Joan Jonás | MoMA, Nueva York | 17 de marzo – 6 de julio Joan Jonas, Mirror Piece I, 1969, vista de performance. Cortesía: © Joan Jonas/Artists Rights Society (ARS), Nueva York En 1994, presenté una exposición en el Museo Stedelijk de Ámsterdam, donde convertí muchas de mis actuaciones en instalaciones, es decir, reorganicé el material y cambié la forma, pero mantuvo el mismo contenido. A su vez, estas instalaciones fueron documentadas en vídeo. Desde entonces, he ido desarrollando algunos de esos trabajos de forma continua. Se muestran una y otra vez. Sé que instalación también es un término general para ordenar cosas pero, para mí, es una forma con la que trabajo. Y, en el caso de esta muestra en el MoMA, muchas de las obras ya se han exhibido: primero en la Tate Modern de Londres, en 2018; luego en el Museo de Arte Contemporáneo de Serralves, Oporto, en 2019; y, más recientemente, en Haus der Kunst, Munich, en 2022-23. Por eso, hemos añadido algunas obras nuevas a la exposición del MoMA para hacerla más única e interesante. – Joan Jonas Christopher Lana | 101 Greenwich Street, Nueva York | 14 de marzo – 31 de julio Christopher Wool, ‘See Stop Run’, 2024, vista de instalación. Cortesía: el artista Disfrute o no de la serie aparentemente interminable de abstracciones tardías de Christopher Wool, su exposición actual ‘See Stop Run’ es una experiencia de otro orden. Aquí, los remolinos y manchas de grisalla del artista encuentran nueva claridad en el piso 19 destruido de una torre de oficinas en el distrito financiero. Las onduladas esculturas basura y los lienzos sucios de Wool armonizan con las variadas etapas de demolición del espacio: acabados desconchados, aerosoles utilitarios y subsuelos duros dejados por décadas de remodelaciones. Los marcos rubios de un grupo de grabados pintados se calientan con el panel de yeso beige, rayado con yeso; Las madejas de lana que cuelgan de malla oscura y alambre de púas, o los enredos tubulares de cobre sobre pedestales, riman con las salpicaduras generales de alambres y cables recortados y los crípticos graffitis dejados por los contratistas. La verdadera maravilla, y una rara incursión en el medio para Wool, es un mosaico en la pared, azulejos irregulares que trazan otra abstracción giratoria en negro, gris y salmón. Los colores brillantes recogen los tonos polvorientos del suelo de baldosas del edificio, que alguna vez fue elegante y ahora se asoma entre el cemento agrietado. Es informal y enfático y realmente extraordinario; además, hay vistas del centro. – Travis Diehl ‘Arte del Gran Toronto 2024’ | Museo de Arte Contemporáneo, Toronto | 22 de marzo – 28 de julio ‘Greater Toronto Art 2024’, vista de la exposición. Cortesía: MOCA Toronto y los artistas; fotografía: Documentación de LF Cada vez que veo una de las esculturas de Catherine Telford Keough, recuerdo montones de nieve medio derretida, incrustados con varios objetos perdidos que han acumulado durante los largos meses de invierno: barras de chocolate, pastillas, tapas de botellas y chicles. envoltorios suspendidos en la masa congelada. Su evocadora instalación, Carriers (Gravity-Fed) (2024), encaja muy bien con obras cuyas exploraciones materiales provocan una sensación similar de melancolía. Interface I e Interface II de Jes Fan (ambas de 2024), cuyas pieles de soja parecen derretirse de sus soportes. En el cobertizo de Lotus L. Kang (Transmisor receptor [Butterfly]2023-24), impresiones enrolladas y tapetes cuidadosamente doblados hacen gestos de ausencia. Los tres artistas han dejado Toronto para ir a Nueva York en los últimos años. Es primavera y la ciudad se está despertando con el ‘Greater Toronto Art 24’, un estudio trienal que se lleva a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo. Comisariada por Kate Wong, Toleen Touq y Ebony L. Haynes, la encuesta de este año es un retrato astuto de una ciudad en transición, al mismo tiempo familiar e inquietante. Habla de una escena artística paradójica caracterizada por prácticas unidas en su sentimiento de alienación. Culpo al abismal costo de vida. Durante la última década, el insaciable desarrollo inmobiliario de Toronto asfixió tanto a los vecindarios de inmigrantes como a las comunidades artísticas, y esto se siente profundamente. – Xenia Benivolski Alejandro Apóstol | Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ciudad de México | 11 de noviembre – 12 de mayo Alexander Apóstol, El Escudo, 2011, fotografía digital, 1 × 1,5 m. Cortesía: el artista En la primavera de 2017, mientras Venezuela estaba sumida en una ola de disturbios civiles contra el régimen dictatorial del presidente Nicolás Maduro (protestas que fueron brutalmente reprimidas por el aparato de seguridad del Estado), el artista Alexander Apóstol estaba produciendo subrepticiamente ‘Regime: Dramatis Personae ‘ (2017–18) en un estudio de Caracas. Esta maravillosa serie fotográfica, creada en colaboración con miembros de la comunidad trans, es uno de los aspectos más destacados de ‘Postura y geometría en la era de la autocracia tropical’, el estudio de mitad de carrera de Apóstol, curado por Cuauhtémoc Medina en el Museo Universitario Arte Contemporáneo de Ciudad de México. Los retratos son una mordaz enciclopedia de personajes arquetípicos –el oponente desaparecido, el turista ideológico, la reina de belleza, el periodista amenazado, el caudillo– que captura astutamente la metamorfosis de la sociedad venezolana durante dos décadas de gobierno autocrático bajo el ex presidente Hugo Chávez. Ataviados con sórdidos equipos paramilitares o una corona falsa, cada artista representa la realidad de la revolución fallida. – Euridice Arratia Reba Maybury | Company Gallery, Nueva York | 26 de abril – 8 de junio Reba Maybury, Used man, 2024. Cortesía: el artista y Company Gallery, Nueva York; fotografía: Sebastian Bach Si el gran hombre del saco de la historia del arte es la mercancía, su amante cómplice sin duda sería la prostituta. Esta figura mítica se convierte con frecuencia en el emblema de las relaciones sociales capitalistas modernas, en las que el sexo se convierte en un servicio burdamente comprable en el mercado, no muy diferente de las pequeñas mercancías. Es sabido que los impresionistas estaban interesados no sólo en capturar este flujo cultural de valor económico, sino también en replicarlo visualmente, su canon lleno de representaciones contundentes de cortesanas que, en algún retorcido intento de crítica alegórica (masculinista), son reducidas a actitudes pasivas pero seductoras. objetos de consumo en lugar de lo que realmente son: trabajadores. En su exposición en Company Gallery, ‘The Happy man’, la artista británica Reba Maybury logra abordar esta tendencia con sorprendente subversión y humor. La autodenominada ‘dominatriz política’ ha utilizado a sus sumisos masculinos (consensuados) como colaboradores artísticos durante años, en el proceso de sintonizar a su público con el panorama ideológico del sexo/trabajo contemporáneo y nuestras actitudes morales hacia él. Aquí, Maybury dirige estas preguntas a la economía política del arte mismo: las formas de valor implícitas en el trabajo artístico y los marcos institucionales que las sustentan. – Jeppe Ugelvig Imagen principal: Christopher Wool, ‘See Stop Run’, 2024, vista de instalación. Cortesía: el artista
Qué ver en las Américas en mayo
