Los locos años veinte fueron un período versátil y notable que cobró vida cuando la ansiedad de entreguerras se mezcló con el entusiasmo por el nuevo mundo. Mientras algunos pretendían inventar el lenguaje estético del futuro, otros buscaban sus identidades en el presente. El estilo Art Déco se presentó ambiciosamente como el estilo popular por excelencia de su época. Al mismo tiempo, los intelectuales construyeron nuevas filosofías en torno al jazz, la política y las exploraciones de la psique. Siga leyendo para obtener más información sobre seis tendencias culturales que definieron los locos años veinte.
1. Art Déco: la estética por excelencia de los locos años veinte
Autorretrato (Tamara en Bugatti verde) de Tamara de Lempicka, 1929. Fuente: Arthive
La elegante modernidad del Art Déco surgió como un desarrollo lógico y funcional de los movimientos artísticos del futurismo y el cubismo. La estricta geometría del cubismo y la admiración futurista por la tecnología de punta se mezclaron con muchas influencias estéticas, incluido el arte y la arquitectura del antiguo Egipto y Japón. El realismo angular dinámico del Art Déco, con su abundante decoración y su agradable simetría, fue la alternativa definitiva a las formas altamente intelectualizadas del arte modernista que prestaban mucha menos atención a los componentes visuales. Las pinturas de Tamara de Lempicka, las joyas de Van Cleef y Arpels y la majestuosa presencia cromada del edificio Chrysler eran impresionantes tal como eran.
Ilustración del edificio Chrysler, c.1935. Fuente: Revista Smithsonian
El Art Déco era un estilo que abarcaba todos los ámbitos posibles de la actividad humana. En cierto modo, era una marca que vendía un estilo de vida moderno y próspero. Contrariamente a la arquitectura constructivista o las reflexiones teóricas de los académicos de la Bauhaus, el Art Déco nunca necesitó explicarse o justificar su existencia. Era puramente hedonista, escapista y lujoso. El estilo permitió a su audiencia escapar de las garras de la ansiedad de entreguerras.
2. Arte y cine expresionistas
Escena callejera, de Ernst Ludwig Kirchner, 1913. Fuente: Sotheby’s
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El arte expresionista fue una de las tendencias más controvertidas de la era de los locos años veinte. Crudo, dramático y primitivo, expresaba las ansiedades y temores de los tiempos modernos. Artistas como Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Kokoschka y Franz Marc sacrificaron imágenes realistas en favor de la intensidad emocional. Usaron colores vivos, mostrando la piel con verde neón y azul cielo con rojo intenso. Sus pinceladas eran desordenadas, sus ángulos agudos y sus figuras parecían máscaras rituales africanas. El arte no occidental, particularmente el de África, influyó en los expresionistas con su relativa simplicidad y dramatismo directo sin relación con los cánones occidentales de la pintura. Algunos historiadores del arte insisten en que, si bien la pintura expresionista fue de hecho un movimiento revolucionario, no fue enteramente nueva en su esencia. El gran pintor renacentista El Greco ya había empleado los mismos conceptos de distorsionar líneas y colores para darle valor emocional hace siglos.
Fotograma de la película El gabinete del Dr. Caligari, dirigida por Robert Wiene, 1920. Fuente: MoMA, Nueva York
El cine expresionista alemán fue un ámbito cultural importante que definió la década y dejó una profunda huella en la historia del arte. Durante la Primera Guerra Mundial, las autoridades alemanas prohibieron la distribución de películas extranjeras, lo que propició el desarrollo de la industria cinematográfica local, aunque con presupuestos mínimos. Con Alemania perdiendo la guerra, los abrumadores sentimientos de ansiedad y dolor dieron lugar a una nueva forma de película que se centraba en las emociones internas de los personajes en lugar de la realidad objetiva.
3. El Renacimiento de Harlem y la era del jazz
Ella Fitzgerald actuando, c.1930. Fuente: Diario de la ciudad
La década de 1920 fue también la época del gran auge de la cultura afroamericana, comúnmente conocida como el Renacimiento de Harlem. Impulsado por la creciente prosperidad económica de los barrios negros y el surgimiento de la clase media local compuesta tanto por afroamericanos como por inmigrantes. Los creativos locales pretendían crear una cultura libre de estereotipos étnicos, que fuera relevante para sus vecinos. Los poetas, escritores, artistas y escultores de Harlem centraron su trabajo en torno a la identidad afroamericana, las luchas contra la violencia racializada, la segregación y las secuelas de la esclavitud. Augusta Savage fue una de las escultoras más famosas del Renacimiento de Harlem, cuya vida y arte definieron la era cultural.
Escultora Augusta Savage junto a su escultura Realización, c.1938. Fuente: pasado negro
Otro hito cultural que se originó en la comunidad afroamericana fue la música jazz. El jazz se convirtió casi en sinónimo de la cultura de los años veinte. Con sus orígenes en el sur de Estados Unidos, el jazz pasó de ser un tipo de folclore local a convertirse en un fenómeno mundialmente conocido. Este género musical emotivo, complejo e interpretativo se convirtió en la principal banda sonora de la década.
4. Surrealismo
Los amantes, de René Magritte, 1928. Fuente: MoMA, Nueva York
El movimiento artístico del surrealismo tuvo sus raíces en las exploraciones de la espiritualidad de principios de siglo y la disciplina recientemente desarrollada de la psiquiatría. Décadas antes, los espiritistas utilizaban la escritura y el dibujo automáticos mientras intentaban llegar al mundo de los fantasmas y los espíritus. Durante la década de 1920, los artistas y escritores surrealistas reinterpretaron estos actos como expresiones del subconsciente. Así, el foco de la exploración se volvió hacia adentro, priorizando la mente individual sobre el espacio compartido del mundo físico. El surrealismo exploró los rincones oscuros de la mente, los deseos, miedos y ansiedades profundamente reprimidos. En parte, surgió del histérico absurdo del dadaísmo.
Escena del Ballet Mecanique, de Fernand Léger, 1924. Fuente: IMDb
Aunque más comúnmente asociado con la pintura y la literatura, el surrealismo fue un movimiento que lo abarcaba todo y incluía el cine, la escultura y la moda. La famosa diseñadora de moda Elsa Schiaparelli fue una participante importante en el movimiento y la creadora original que tradujo los principios del surrealismo al lenguaje de las telas y las decoraciones. A pesar de las barreras institucionales, las mujeres artistas participaron activamente en el surrealismo y, de muchas maneras, lo definieron. Las fotografías surrealistas de maestros como Dora Maar y Kati Horna se convirtieron en la base de la fotografía de moda contemporánea.
5. Bauhaus
Un estudiante de la Bauhaus posando en una silla diseñada por Marcel Bruer, 1926. Fuente: Fondation d’Entreprise Hermes
Aunque a menudo se la etiqueta incorrectamente como un movimiento artístico, la Bauhaus fue un proyecto educativo ambicioso: una escuela de arte progresista creada con la ambición de aunar la visión artística individual y la producción industrial. Establecido por el famoso arquitecto Walter Gropius en 1919, tuvo una vida corta pero notable de sólo 24 años antes de que las autoridades nazis lo cerraran como el centro del intelectualismo judío de izquierda. A los estudiantes de la Bauhaus se les enseñó a desarrollar la forma a partir de la función esperada del objeto. El edificio en sí reflejaba el enfoque original y moderno de la enseñanza. Las conferencias se dieron en un espacio abierto que podía separarse o ampliarse mediante paneles de pared móviles. Quizás el principal tesoro de la escuela Bauhaus fue su personal académico, compuesto por los artistas más progresistas de su época, como Wassily Kandinsky y Paul Klee.
Esfera de color en 7 valores de luz y 12 tonos, de Johannes Itten, 1921. Fuente: MoMA, Nueva York
A pesar de su minimalismo austero y su enfoque funcional, la ideología de la Bauhaus no estaba demasiado alejada de las cuestiones metafísicas. Por el contrario, muchos de los profesores tenían afiliaciones ocultistas y espiritualistas. Kandinsky participó en el movimiento cuasi científico de la antroposofía, cuyo objetivo era desarrollar un estado consciente de existencia y de interacción con las fuerzas naturales. Kandinsky también fue un destacado teórico del arte que exploró los componentes espirituales del arte visual. Otra leyenda de la Bauhaus, el diseñador suizo Johannes Itten, era miembro de un culto neozoroástrico muy controvertido, Mazdaznan.
6. Constructivismo: los locos años veinte comunistas
Dibujo del Monumento a la Tercera Internacional (Torre de Tatlin), por Vladimir Tatlin, 1920. Fuente: Smarthistory
El arte y el diseño constructivistas tenían como objetivo rechazar los marcadores y componentes tradicionales del arte elevado que inevitablemente estaban arraigados en el elitismo y la diferenciación de clases. Para hacer que el arte fuera accesible y comprensible para todos, el constructivismo se basó en formas geométricas simples y colores primarios. Todos los elementos tenían que ser funcionales, pero también debían demostrar el poder transformador de una sociedad nueva e igualitaria. El nuevo lenguaje estético se basó en las posibilidades de la producción industrial más que en la artesanía, con la idea de una disponibilidad amplia e inmediata de bienes. A pesar del objetivo de funcionalidad, la arquitectura constructivista no estuvo exenta de gestos ambiciosos y confusos, como la famosa Torre Tatlin, la absurda estructura utópica de espacios de oficinas giratorios.
Diseño textil, de Varvara Stepanova, 1924. Fuente: Historia del Arte del Obelisco
Entre las aplicaciones más notables de la ideología estética constructivista se encuentra el primer diseño textil soviético. Antes de la revolución, la industria textil en el Imperio Ruso floreció y ofrecía una amplia gama de tejidos. Cuando los fabricantes ricos se vieron obligados a huir de Rusia, la producción se detuvo y necesitó un nuevo impulso para el desarrollo. Mujeres artistas como Lyubov Popova y Varvara Stepanova asumieron la tarea de inventar estampados textiles nuevos y modernos que se ajustaran a las necesidades estéticas y funcionales de los consumidores soviéticos. Los patrones geométricos y las ilusiones ópticas se convirtieron en la base del diseño textil de Stepanova.